LOS AVANCES DE LA MÚSICA DURANTE EL RENACIMIENTO

Durante los siglos XVy XVI, la polifonía va a tener un gran desarrollo. Esto no hubiera sido posible sin todos los pasos que ya se habían dado durante la Edad Media .

 Polifonía:  la armonía a través de dos texturas:

La armonía es la relación que tienen entre sí sonidos simultáneos siendo su elemento esencial el acorde. La figura más importante que sienta los fundamentos de esta ciencia musical es el teórico Veneciano Zarlino en su tratado Le institutioni Harmoniche. (1562)

                                          

El empleo de la armonía se hace a través de las dos texturas  polifónicas más utilizadas durante el Renacimiento: 

                1.  La textura homofónica, donde todas las voces se mueven a la vez, empleando las mismas duraciones. El resultado sonoro son columnas sonoras que se van yuxtaponiendo. 

                2.  La textura contrapuntística: en la que las voces actúan de forma más independiente y frecuentemente se va imitando las unas a las otras. El  texto no suena a la vez en todas las voces, y el resultado sonoro es que parecen irse haciendo ecos las unas a las otras, unas veces repitiéndose, otras persiguiéndose.

En el siguiente vídeo, que es una obra de T.L. de Victoria, se puede ver cómo van apareciendo las diferentes técnicas compositivas

Las escalas en el Renacimiento: 

    A la palabra modo se va a yuxtaponer poco a poco la palabra tono, especialmente en la música instrumental. Por otro lado,  comienzan a aparecer con mucha más frecuencia el uso de notas alteradas,  que eran con frecuencia ejecutadas por los instrumentistas aunque no aparecieran en las partituras (lo que se denomina música ficta). 

Avances en la notación y en el ritmo : 

En la notación mensural de notas en pauta de líneas:

   Desde que en el siglo XIII Franco de Colonia publicase su tratado de  notación mensural, (es decir, una notación en la que comienzan a aparecer las grafías de las figuras rítmicas), se han producido avances que con los siglos terminarán por configurar nuestros actuales compases y conceptos del ritmo, de forma que ya no se ceñía al uso de simples fórmulas métricas fijas (pies métricos).

El Renacimiento hereda la notación francesa del siglo XIV prácticamente igual, si bien se producen cambios: 

-  Las figuras pasan de tener cabezas negras a  blancas, debido entre otros factores a un mayor uso del papel en detrimento del pergamino. En ocasiones se emplearán otros colores para diferenciar notas por alguna razón. 

- Se generaliza el uso del pentagrama y en ocasiones del hexagrama

- Para leer la partitura,, las voces se escriben separadas , una debajo de la otra o en páginas diferentes (particellas), es decir, no todas a la vez en sistemas de pentagramas (que es la forma actual)

Partitura completa en la que aparecen las voces separadas      

                 

 - Aparecen los valores con corchete, que serán nuestros valores de la corchea en adelante. Las figuras utilizadas son:

En la imagen inferior puedes observar la evolución de la notación mensural: la anterior al Renacimiento, la Renacentista y la actual

           

- La duración y la acentuación del ritmo y las figuras ya aparecen en las partituras con determinados signos que posteriormente pasarán a ser nuestras indicaciones de compás binario o ternario. Llamarán perfección a la acentuación ternaria e imperfección a la acentuación binaria. 

Maximodus  perfectus         1 maxima =  3 longae

                      imperfectus     1 maxima =  2 longae

Modus         perfectus          1 longa = 3 breves

                     imperfectus      1 longa = 2 breves

Tempus       perfectum        1 brevis =  3 semibreves

                     imperfectum    1 brevis = 2 semibreves

Prolatio       maior               1 semibrevis =  3 minimae

                     minor              1 semibrevis = 2 minimae

          

Partitura en notación mensural blanca del compositor francés  Guillaume Dufay (siglo XV)

Aparecen las tablaturas instrumentales, que es como se denomina a las notaciones de los instrumentos de cuerda, especialmente para laúd. En España destacan las tablaturas para vihuela. En las tablaturas aparece el esquema de cuerdas y trastes del instrumento que son necesarios ser empleados para ir tocando la pieza, además de la duración de la nota.

Intenta seguir la pieza a través de la tablatura en el vídeo siguiente:

NUESTRO REPERTORIO RENACENTISTA

Pavana Belle qui tiens ma vie. Autor: T. Arbeau

Branle de las lavanderas. Autor: T. Arbeau

Ay Linda Amiga. Autor anónimo

Villancico Ay triste que vengo. Autor: Juan del Enzina

EL PENSAMIENTO EN LA ÉPOCA DEL RENACIMIENTO

Llamamos Renacimiento al período histórico-artístico que comprende los siglos XV y XVI. El término Renacimiento alude al renacer de la cultura clásica, ya que durante los siglos XV y XVI se tomarán como modelos de equilibrio y proporción los modelos de la Antigüedad Griega y Romana.

¿Cómo se va forjando este pensamiento?

Los siglos XIV y XV son siglos de vital importancia. En ellos se suceden acontecimientos muy importantes y que van a producir grandes cambios y progresos en la Europa medieval y que desembocarán en un nuevo pensamiento que dará paso a una nueva época: la Edad moderna.

      Algunos de estos acontecimientos son terribles, como lo fue la peste negra que asoló Europa a mediados del siglo XIV y que al mismo tiempo inició un periodo de prosperidad económica al desarrollarse más la ganadería, subir los sueldos de los trabajadores, ya que había demanda de mano de obra. El incremento del flujo del dinero supuso un mayor auge del comercio extendiendo las rutas comerciales.


     También el desarrollo de la  tecnología o la ciencia,  como la imprenta, las teorías heliocéntricas frente al geocentrismo medieval o los avances en cartografía. Son de especial importancia todos los viajes de descubrimientos que se van a producir desde finales del siglo XV.
                                   

Se producen novedades en la política. En algunas zonas como en Italia prosperarán las Ciudades Estado, que se regirán como pequeños reinos independientes regentadas por nobles poderosos. Este poder de los nobles se verá mostrado en numerosas ocasiones a través del mecenazgo, ya que acogerán en su corte a grandes artistas que plasmarán a través de sus obras el poder del mecenas.
Otras zonas son reinados que se irán anexionando territorios de paulatinamente a través de alianzas matrimoniales o de las guerras. De esta forma nacerá el Imperio Español bajo el Reinado de Carlos V.
                                                                
Todos estas innovaciones se deben un cambio que  ha comenzado a producirse en Europa desde mediados del siglo XIV en la mentalidad del hombre: el Humanismo, tiene como base el antropocentrismo, el interés por todas las ciencias y las letras y por el saber de la Antigüedad Clásica.
                                                                 
                                                                 
El pensamiento antropocéntrico desplaza de alguna forma el pensamiento teocéntrico anterior y también se producen cambios en la religión, empezando a aparecer diferencias en el pensamiento cristiano. A principios del siglo XVI, un monje llamado Martín Lutero, que mostró su desacuerdo con algunas de las costumbres de los eclesiásticos, llevará a cabo una Reforma que dará lugar a la religión protestante provocando un gran cisma en el cristianismo. Por su parte, a mediados de ese siglo, tendrá lugar el Concilio de Trento comenzando la Contrarreforma, que es la contestación de la Iglesia Católica a Lutero.

EL NACIMIENTO DE LA POLIFONÍA

En algunos tratados teóricos del siglo IX  aparecen descritas algunas formas de cantar superponiendo voces. Eso supone que de alguna forma, se empieza a tener un pensamiento polifónico. Claro que, serán necesarios más de dos siglos para que todo empiece a cuajar y se irán haciendo diferentes intentos. A este proceso le llamamos:

NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN DE LA POLIFONÍA EN LA EDAD MEDIA.

Para hacernos una idea de lo que vamos a explicar, empezaremos por ver este vídeo.

Los primeros intentos: el organum (siglos X al XII)

       Cantar en organum significa que a una voz ya existente, llamada vox principalis, le voy a añadir otra u otras, que se llamaran vox organalis y que se moverán con respecto a la primera de diferentes formas

Organum paralelo: exactamente igual que la principalis pero a distancia de 4ª o 5ª como en este ejemplo

                                  

Organum contrario: la vox organalis se mueve en dirección contraria que la vox principalis (si la una sube, la otra baja y viceversa), como en este ejemplo. a esta forma de cantar también se le llamó discantus

                                 

Organum oblicuo: una voz permanece quieta y la otra es la que sube y baja

Aquí tenemos los tres organum juntos

Organun florido o melismático: es el estadio más evolucionado del organum en el que ya aparecen numerosas notas en la voz organal durante cada una de las notas de la principal.

Las nuevas formas del siglo XIII y los primeros autores de polifonía conocidos: El ars Antiqua

 Conductus; se trata de obras de nueva creación completamente en las que se emplean las técnicas del organum y cierto esquema rítmico. Este tipo de obras es el que componían los dos primeros compositores de Polifonía conocidos.

                 Estos compositores pertenecen ya a la recién estrenada catedral gótica de Notre Dame de París . Sus nombre son: Leonin (finales del siglo XII) y Perotin (comienzos del siglo XIII)

Su música suena así

                                              Organum Duplum de Leonin Pascha nostra

                                     

                                               Conductus de Perotín  Viderunt omnes

                                        

Motete: se trata de una pieza en la, partiendo de una melodía existente que se llamará cantus firmus, se construyen otras voces en las que, además de diferentes ritmos, las voces pueden ir en diferentes idiomas. Aunque los motetes nacen en el siglo XIII tendrán su mayor apogeo a partir del siglo XIV.

El siglo XIV: El Ars Nova

En el siglo XIV, gracias a los avances musicales realizados durante los siglos anteriores, la música tuvo un despegue en cuanto al desarrollo de la música vocal tomando gran importancia la independencia de las voces que terminara en una explosión durante los siglos posteriores. Este siglo es por ello conocido como Ars Nova. A él pertenecen autores importantes como Guillaume de Machaut o Philippe de Vitry. Ambos escriben motetes y otras piezas vocales de una gran perfección.
                                                          

Esta perfección se debe, entre otras cosas, a los avances en la notación, desarrollándose la notación mensural , es decir, notas con duraciones concretas, que son los antecedentes directos de nuestra figuras actuales. El gran artífice de la notación fue el Músico y teórico Franco de Colonia que la plasmó en su tratado Ars cantus mensurabilis.

Si observas el siguiente esquema no te será difícil la evolución de la notación.

Notación moderna Notación blanca (siglos XV-XVI) Notación negra (siglos XIV-XV) Notación franconiana (siglo XIII) De esta época se conservan piezas muy bellas, como este motete de Philippe de Vitry, In arboris O este kyrie (forma motete), perteneciente a la Misa de Notre Dame de Guilllaume de Machaut

ORGANOLOGÍA MEDIEVAL

Durante gran parte de la Edad Media, la utilización de instrumentos musicales parece haberse circunscrito a la música profana, permaneciendo prohibida su práctica en la música religiosa a excepción del empleo del órgano en determinadas ocasiones.

¿CÓMO LOS ESTUDIAMOS?

En la actualidad, la principal fuente de investigación para conocer los instrumentos medievales se basa en la iconografía musical, es decir, en cómo los artistas medievales plasmaron los instrumentos, ya sea a través de pinturas al fresco o sobre tabla, en manuscritos, esculturas o relieves.
A partir de ahí y de los escritos que tenemos de la época, y de los instrumentos que tenemos actualmente, los estudiosos hacen reconstrucciones de los mismos con el fin poder hacer interpretaciones de la música medieval, con un sonido que se acerque lo más posible a lo que pudo ser.

Una de las más importantes reconstrucciones de instrumentos se ha hecho con los instrumentos del Pórtico de la Gloria de Santiago la catedral de Santiago de Compostela.

CORDÓFONOS

             Frotados:

Organiustrum: se solía tocar entre dos, personaje más a la izquierda es el encargado de hacer girar la palanca. Interirmente una rueda hace frotar un mecanismo con cuerdas. El hombre de la derecha es el que acorta o alarga donde se toca las cuerdas produciendo la melodía.

Viela o fídula: es el nombre que recibían los instrumentos frotados con un arco. Los había de diferentes tipos y tamaños y se podían tocar apoyados en el hombro o en la pierna. Son los precursores de la familia de las violas y de la familia del violín. Los instrumentos que aparecen en las dos ilustraciones siguientes son vielas o fidulas.. Los de la derecha son cuerda punteada y los vamos a ver enseguida.

          Punteados

 Cítola: se trata de una especie de guitarra con esa forma característica. Destaca su clavijero en con cabeza zoomorfa.

                   

                 
Laúd: con forma de media pera y un elevado número de cuerdas, es fácilmente reconocible porque el clavijero está doblado. El laúd se convertirá en uno de los principales  instrumento del Renacimiento en Europa.

                 

Arpa: su uso proviene desde la antigüedad, variará su forma a lo largo de la Edad Media

Salterios: se trata de cuerdas tensadas sobre una caja de resonancia plana. Se tocaban con plectros. Podían tener forma cuadrada, triangular o en forma de T.

   

AERÓFONOS

                Flautas: dulces y traveseras

            Trompetas, heredadas desde el Imperio Romano.

                   Cuerno: proviene su uso desde la Antigüedad

                  Dulzainas y chirimías: son los oboes de la época.

                                          

                   Oboe doble

 Cornamusas: son gaitas. Pertenecen a la familia de los oboes. Tiene unos tubos con  sonido fijo y uno con el que realizan la melodía. Con la boca, el gaitero mete aire en el odre (depósito)

              

Organo portativo: se trata de un órgano pequeño. Con una mano se mete aire con el fuelle y con la otra se toca el teclado.

IDIÓFONOS

Carrillón: es un juego de campanas                       Címbalos o platillos                          

      Tejoletas (cerámica o madera)

MEMBRANÓFONOS

          Darbuka                   Pandero cuadrado (también los hay circulares)                

              Tamboril:

LA MÚSICA PROFANA EN LA EDAD MEDIA

Durante la Edad Media también existió música fuera del ámbito religioso, que es como se denomina a la música profana.

¿CÓMO ERA ESTA MÚSICA?

La música profana de la edad media llegó a ser bastante variada. A grandes rasgos podemos aplicarle las siguientes características:

- Temática muy variada, desde lo cotidiano, temas de amor, históricas o de sucesos, de crítica social, políticos, satíricos ,...

-Empleo de fórmulas rítmicas al estilo de los pies métricos griegos con mayor o menor complejidad y variantes.

-Melodías construidas sobre modos, los modos medievales que se habían heredados directamente desde los griegos.

- Eran monódicas y se acompañaban con instrumentos que doblaban la melodía cantada o hacían notas de bordón (notas fijas) y marcaban el ritmo.

-Estructura: la estructura de los cantos tiene varios tipos. Romances, cantares de gesta. Las tres formas más utilizadas por los trovadores eran las de rondeau, balada y virelay. Un género a destacar es el de Pastorela (amores entre un noble y una pastora a la que auxilia)

¿QUIENES HACÍAN LA MÚSICA?

Destacamos cuatro tipos de personajes dentro de los oficios de la música durante el Medievo:

1. Juglares 

           Los juglares eran personajes que bien trabajaban solos o en agrupaciones. Eran, por lo general, artistas ambulantes que iban de población en población ofreciendo un espectáculo variado: malabares y números circenses, narraciones, noticias, canciones....

En el aspecto musical, que es el que nos interesa, los juglares recitaban cantares de gesta y cantaban las canciones de moda del momento, bien a capella, bien acompañándose de instrumentos. Estas canciones habían sido compuestas por trovadores, conocidos y cada juglar las iba adaptando. Era poco frecuente que los juglares compusieran, se limitaban a copiar las canciones de otros. Tanto el oficio de juglar como el de juglaresa, si bien los apreciaban por el entretenimiento que proporcionaban a la población, parece estar bastante mal considerado como medio de vida, tal y como aparece plasmado en algunos capiteles del período Románico.

  

2. Goliardos

           Eran una especie de estudiantes medievales. En aquella época utilizaban un hábito de clérigo, puesto que el estudio estaba asociado a centro religiosos. Por lo general, se dedicaban a cantar poemas en un latín muy contaminado y ofrecían espectáculos de canciones de temas variados y con frecuencia "picantes" con los que se ganaban la vida de alguna forma. La colección más importante de canciones goliardescas la constituyen los Carmina Burana. La fama de los goliardos era de juerguistas,...Hoy en día, un recuerdo de aquellos goliardos lo tenemos en las actuales tunas universitarias.

La versión más famosa de los Carmina Burana, sin embargo es del siglo XX, cuando el compositor Carl Orff, apartir de los textos medievales compuso una impresionante obra orquestal. 

Para tocar en casa (partitura de dificultada muy baja) : Con ayuda del siguiente vídeo tutorial, toca la impresionante O Fortuna de los Carmina Burana de C. Orff

3. Trovadores y  4. Troveros:

                        - Los trovadores son poetas y músicos.  Son cultos y componen su propia música. Serían los artistas de alto nivel durante la Edad Media. Eran muy apreciados. Entre ellos podemos encontrar nobles y reyes, aunque los había más humildes. Generalmente, la temática de las canciones es de amor cortés. El amor cortés es una amor idealizado hacia una dama inalcanzable. Otros temas son: política, crítica social, épica. Componen en lengua provenzal (proveniente del sur de  Francia), que era la lengua culta de moda en los siglos XI y XII.  respetando el uso de ritmos métricos y una estructura concreta. Entre las estructuras  conocidas tenemos: cantiga, rondeau, balade y virelay.

                       - Los troveros: hacen lo mismo que los trovadores, sólo que ya pertenecen a bien entrado el siglo XIII y emplean langue d'oïl (proveniente del norte de Francia). En alemania, a los troveros se les denominó minnesingers, que significa "los cantantes del amor".

De entre los trovador@s y trover@s famosos vamos a destacar unos cuantos: Rimbaut de Vaqueiras, Adam de la Halle, Beatriz  Condesa de Dia.

                    

Adam de la Halle, considerado uno de los últimos grandes troveros,  ha pasado a la historia principalmente por se el autor de El juego de Robin y Marion . Se trata de una pastorella en la que hay diálogos (personajes) y además, hay partes que ya contienen algo de polifonía, con lo que se considera una obra de transición.

En gran parte de la Península Ibérica durante estos siglos, los trovadores emplearon como lengua poética el galaico-portugués. Destacamos como grandes creaciones de este periodo:

                        Las Cantigas de Santa María, que son aproximadamente 400 cantigas compuestas en la corte de Alfonso X "El Sabio". Reciben este nombre porque las cantigas múltiplos de 10 están dedicadas a la Virgen María. Están conservadas en varios códices bellísimamente ilustrados en los que podemos estudiar, además, gran número de instrumentos medievales.

Para tocar en casa (partitura de dificultad baja):interpreta con la ayuda de este tutorial  la que es probablemente la cantiga más célebre.

                         Las cantigas de amigo, atribuidas a Martin Codax. Se conservan muy pocas y tienen como característica que están puestas en boca de una mujer.

Para finalizar, Víctor sordo tiene un vídeo en el que habla de toda la música profana medieval 

Escuchamos lo que tocamos. Monodía medieval profana.

Aquí dejo todas de las piezas medievales que estamos tocando en el aula.

Kalenda Maya. Autor: Rimbaut de Vaqueiras

Ad morten festinamus. Procedencia: Livre Vermell

                                     

Cantiga 100. Procedencia: Manuscrito Cantigas de Sancta Maria (corte de Alfonso X "El sabio")

                                   

Cantiga 144. Procedencia: Manuscrito Cantigas de Sancta María. (corte de Alfonso X "El sabio")